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SIN TÍTULO TODAVÍA. UN COMENTARIO DE ROAD STORY

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La pregunta que quisiera hacer es desde qué lugar de la sociedad vienen las novelas gráficas de los últimos años en chile. Paralelamente, podemos preguntar a qué público se dirigen, o mejor dicho a qué público interpretan. El escenario no es un circuito claro. En éste parece haber más producción que lectura. Naturalmente, el público que compra los libros de novela gráfica y cómics está seguramente en las clases medias. Pero se dice que ya no hay clases medias con un proyecto de sociedad, con una representatividad política, pues ya no hay clases sociales sino clases de consumo. Por otro lado, hay un rango tan grande de estratos que se identifican con la clase media chilena en estos años, que es impracticable usar el término como significante de algo claro. El lenguaje oficial de las estadísticas define a los grupos sociales en niveles de ingresos y consumos por familia. Allí se mide la educación, acceso a servicios, acceso a oportunidades de empleo, etcétera, es decir, las condiciones materiales de vida son el gran documentador de la vida social e individual, aunque tantos quieren ver muerto a Carlos Marx. Esas condiciones de vida están asociadas a capacidades de consumo cultural e intereses culturales. Los cómics, ya no baratos como alguna vez lo fueron, estarían dentro de lo que hoy se llama consumo cultural, no entretención masiva. En las partes de la clase media que compra libros, a vista de pájaro, deben estar los lectores de cómics, y no en los grupos populares, que mayormente se hallan en el círculo de la sobrevivencia, la falta de poder adquisitivo y el desinterés, al menos aparente, por la cultura.

Puede desprenderse, aunque no demostrarse con datos duros, que las historietas (o cómics) nunca han sido de, ni para los sectores populares, sino para la clase media, y usualmente por artistas pertenecientes a ellas. A veces ha tendido hacia lo popular, otras veces, como me parece el caso chileno de hoy día, tiende hacia arriba.

Hay una correspondencia en el hecho de que las novelas gráficas que se publican en editoriales grandes o influyentes, en estos años, son hechas por artistas de una parte de esos grupos medios y para ellos. La posibilidad que tenemos de saber quiénes o cómo son ellos y sus lectores, hay que deducirla de las maneras de pensar, los deseos y las ideas expresadas en las obras, y en parte considerar que los lectores se interesan a través de las promociones y notas en los medios, premios y reconocimientos. Por supuesto, las novelas gráficas reconocidas por la institución oficial llegan hacia un indeterminado “abajo”, grupos eventuales de lectores populares, como los estudiantes de básica y media hacia los cuales las políticas de educación llevan actividades de cultura.

Trato de acercarme a estos puntos en la lectura de Road Story, de Gonzalo Martínez y Alberto Fuguet (Alfaguara, 2007).

roadstory_007Road Story habla de un joven cuyo origen social está en las partes acomodadas de la clase media, si es que no en la clase alta, si se mira en los aspectos informativos de la trama. La chica boliviana con la cual se encuentra denota un origen similar. Ambos están envueltos en una rebeldía a su propia clase, encarnada en sus familias y relaciones personales. Ya entrados en el relato, aparece el hermano del personaje. Se trata de un cuestionamiento de las relaciones familiares y de pareja. El personaje dejó botado todo, esposa, familia, trabajo, para alejarse por las suyas al extranjero. Para hacerlo, él mismo cuenta que hurtó o sacó dinero de la empresa donde trabajaba, una empresa de su familia. Pero el centro de la historia está en la expresión de la desorientación, el nihilismo, el derecho a equivocarse. La expresión de la crisis, del enredo, de la confusión, es el hilo más potente y sugestivo, puesto que toca asuntos que palpitan de vida. También el dibujo acompaña sensiblemente con cierta suciedad de los trazos y las formas. Ellos reivindican los derechos de la oveja negra, tal vez el derecho a tener la libertad el tiempo de perderse para encontrarse, como nuevas conquistas humanas intuidas por la gente de avanzada. Creo que estas son las motivaciones que identifican la situación del personaje con la del lector, al menos con sus deseos, y sobre todo con sus deseos. Se trata pues de un viaje espiritual, cuyo resultado es la posibilidad lejana todavía de una salida, un proyecto, una posibilidad.

RoadStory_064Todos o casi todos los elementos del viaje, esto es la road story, se articulan en cita y reescritura de la literatura y el cine. Caería en la ostentación de esa serie de referencias si no fuera por la expresión del conflicto personal en que se encuentran los personajes, y cierta desesperación de la misma cultura que lo fascina. La fascinación por la road culture, las obsesiones personales, son leídas por un público igualmente implicado en la fascinación o el prestigio de esa literatura y ese cine. O por la literatura y el cine.

La localización social se halla en la base del argumento: hay un dinero suficiente para que la necesidad de sobrevivir en Estados Unidos, o en México, no distraiga el tema principal. Como seña, el financiamiento hace posible la concentración del personaje en su crisis de los treinta, a la vez que el robo a la familia es un conflicto y una rebeldía. En el relato está la implicación de que los de abajo están, como en Hitchcock, invisibles, pero haciendo funcionar el mundo, incluso el mundo diegético. Desde esa base material, explicitada por el relato –no inventada por esta lectura–, arranca entonces el despliegue psicológico y filosófico de los personajes y de la historia.

Por otro lado, si las referencias de cultura y contracultura literaria se dejaran de lado, tal vez siguiera sosteniéndose el centro expresivo, y tal vez el mundo mismo no se cayera, pero los hechos son los hechos, y ahí va el carro por la carretera estadounidense, acarreando la expresividad vital, y los deseos de autores y lectores.

Los deseos y fascinaciones de Road Story indican un conocimiento de primera mano de el mundo que describe y de la literatura que lo inspira. Lo que sucede es que hay unos conflictos reales, una carne tocada en los personajes, que sostiene toda esa escenografía, pero que de no estar se transformaría en muestra de escenografías. Se apropia de formas y contenidos que le fascinan, pero que necesitan un piso material determinado.

El trabajo interior de los autores no es por hacer salir lo que se vive acá, sino por trasladar lo de allá hasta acá (hasta “mí”) de modo verosímil. Quizá hay un convencimiento de que el traslado y su trayecto son los que pueden dar cuenta del “acá”. Pero uno también puede, por lo menos, cuestionar esas ideas.

Carretera a chile, mayo 2016.

Written by vichoplaza

mayo 25, 2016 at 7:23 am

SOBRE LA HISTORIETA CHILENA RECIENTE

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POR CAYO CACTUS
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No es una exageración decir que el noveno arte es en nuestro país una de las actividades culturales más infravaloradas y underground en comparación a otros campos artísticos, lo que ya es mucho decir. La historieta presenta un débil grado de institucionalización y la “profesión” de historietista es una de las menos codificadas socialmente, lo anterior se puede demostrar fácilmente con la absoluta ausencia de premios con incidencia pecuniaria en nuestro país para este medio.

Los agentes que intervienen en este campo específico de alguna manera u otra asumen esta precariedad de antemano lo que me parece, a priori, una característica positiva toda vez que la escena local es abundante y heterogénea a nivel de producción; esto es, a pesar de la inexistencia de una industria local autosustentable en términos económicos, no se deja de crear historieta.

Esto no quier decir, por supuesto, que todo lo que se publique tenga de suyo valor artístico. Tampoco creo que necesariamente deba tenerlo, este valor puede ser o no un fin de los creadores. Ahora bien este valor existirá quiéranlo o no una vez que sus obras entren en el mercado de capital simbólico al cual acceden, de ello no me cabe duda. Es este punto donde redundan dos de los temas más importantes en el estado del arte actual del medio, esto es, la crítica y lo que yo llamaría una cierta “moralidad artística”, ambos fenómenos que articulan la producción del valor de una obra, lo que es lo mismo decir, la creencia en el valor de una obra.

Puedo dar fe de lo que significa el amor por los cómics. Suena ñoño y claro que es ñoño y claro que es real; Kirby ya lo decía: “los comics te destrozarán el corazón”. De las mayores de mis satisfacciones personales han provenido tanto de la lectura como de la creación de historietas. Me he pasado horas desvelado, solo y con mis compañeros, escribiendo, componiendo, diagramando, rotulando; y todas esas instancias han sido maravillosas; momentos en que he alcanzado procesos o ideas que no pensaba estaban en mí. Puedo comprender perfectamente por qué hay tantas personas que quieren acceder al aura de la historieta, al aura de la creación y quisieran ser como los autores que admiran para tener que sea una pequeña incidencia en este maravilloso lenguaje. Por ello es que puedo entender también la ilusión del glamour y el exitismo que acompaña a la escena.

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Me parece ingenuo pensar que no hay tomas de posición, poder y distribución de capital -económico o simbólico- cuya posesión redunda en la obtención de beneficios específicos. En general, los seres humanos seguimos siendo bestias que se sonrojan. En este medio, como en todos los medios, existirán convergencias y divergencias artísticas y núcleos de poder que visibilizan o invisibilizan un determinado trabajo en desmedro de otros, núcleos de poder que en definitiva se confrontan bajo la apariencia de un discurso que dice “cada cual debe preocuparse por posicionarse”; estos discursos son el fiel reflejo de una ideología profundamente arraigada en nuestra sociedad. Sobre este punto no hay más que sacarse las máscaras y asumir un grado de egoísmo en autores y editores quienes no serán imparciales al momento de construir relatos verosímiles sobre el valor de sus obras y que tenderán a inflar sus logros para alcanzar sus objetivos, sean cuales sean, mercado y/o calidad artística. Desde la vereda de la retórica es sincero afirmar: los discursos son plásticos y maleables y la razón puede encontrar argumentos para lo que quiera.

Habiendo dicho todo esto, en lo consecutivo quisiera aportar con algunas opiniones personales sobre el panorama de la historieta chilena de los últimos años sobre todo de la escena más mainstream (una hipérbole, claro está), pienso que debido a su nivel de notoriedad mis palabras no les harán suficiente mella como para que sus autores se sientan realmente perjudicados y creo que con estos casos podré ilustrar algunas perspectivas que creo NO debieran ser un ejemplo de lo que debe ser la movida local en los años por venir.

EL LLAMADO BOOM DE LA HISTORIETA CHILENA

Honestamente no sé cómo ni quién acuñó el término, pero sí tengo claro que ha sido un tópico de los últimos 5 años al menos y aun en el último tiempo he visto como todavía se utiliza el término para demarcar un “hito” en el estado actual de la historieta chilena.

A mi propio entender, creo que los discursos del “boom de la historieta chilena” son increíblemente superfluos y no parecen más que atender a tomas de poder sobre el medio a fin de visibilizar determinadas obras. Por ejemplo, se habla demasiado a menudo de “Road Story” (Martínez, adaptación de novela de Fuguet) como un punto de inflexión en la escena actual, sin embargo, de los entendidos en cómic con los cuales me relaciono, nadie jamás la ha leído.

La utilización de la palabra “boom” resulta ridícula porque evidentemente se intenta equiparar alegóricamente a lo que conocemos como el “boom latinoamericano” el cual, por una parte, fue un fenómeno mundial que nos lega 2 premios Nobel -situación incomparable con la nuestra- y, por otra parte, se reconoce como una gran estrategia de marketing orquestada desde la industria editorial española. En definitiva, la otra cara de la moneda es que no es más que un mito. Así las cosas, el uso del término por parte de los productores locales me parece impúdico por su falta de realidad y exitismo desmedido y yo no puedo comulgar en lo absoluto con quienes pretendan hacer de él una forma de relacionar sus obras con el público.

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Bien se podría decir que hacer este tipo de declaraciones es necesario para llegar al público y que cada cual ha de hacer de mejor manera relaciones públicas para sus propios intereses; pues bueno, que cada uno corra el riesgo de decir lo que mejor le parezca, pero no se espere entonces que la legitimidad de sus obras ante la masa crítica se mantenga incólume: el término es, por lo bajo, engañoso. Yo diría, por favor, mantengamos cierta perspectiva y cierta honestidad. Aquí, no me queda sino recordarles a Bolaño:

“No sé como no se dan cuenta. El oficio (…) está poblado de tontos que no se dan cuenta de la fragilidad inmensa, de lo efímero que es. Es decir yo puedo estar con 20 escritores de mi generación y todos están convencidos de que son buenísimos y de que van a perdurar, eso es una ignorancia bestial, aparte de una soberbia enorme”.

POLICÍA DEL KARMA Y CÓMO NO EDITAR UN CÓMIC

“Policía del Karma” (Baradit-Cáceres) fue una obra importante del año 2011, una obra que incluyó como estrategia de posicionamiento ciertas plataformas multimedia interesantes como soundtrack e historias paralelas que le permitieron sobresalir y destacarse en el medio local.

Mi apreciación personal del cómic “Polícia del Karma” es positiva, sin perjuicio que el trabajo de “color” ensucia bastante el dibujo de Cáceres y el uso tipográfico y trabajo de rotulación es inadecuado (léase, feo); en este sentido, la obra es perfectible, por supuesto; pero creo que aún así cumple.

Lo que me parece imperdonable es que nos hayan vendido un libro inflado, con el cuento original -ilustrado-, el proceso creativo y el trabajo de bocetos; todo para aumentar casi el doble el tamaño de lo que es la historieta que realmente nos están presentando y que nos debería importar. Puedo entender esta decisión editorial en una edición de décimo aniversario, por ejemplo, pero no en una primera edición dondenos están aumentando la palta con leche para aprovechar de vender un libro más caro de lo que realmente costaría. Yo hasta el día de hoy me sigo preguntando ¿de verdad pensaron que era relevante que nos incluyeran el desarrollo de personajes y su proceso creativo?… por favor.

MYTHICA Y LAS SERIES INCONCLUSAS

“Me llaman Pulp” y “E-Dem Vol. 1” fueron dos obras editadas por Mythica Ediciones que a pesar de señalar que eran obras seriadas, no han sido continuadas hasta la fecha, aun cuando la editorial siguió editando material nuevo. Desconozco la razón de estas decisiones, sin embargo yo creo que a futuro podemos extraer esta sencilla lección: prudencia editorial, no nos embarquemos en proyectos serializados que no sabemos si vamos a terminar de publicar o no.

1899 Y EL FANSERVICE

Yo compré “1899” (Ortega-Daniel) al día de ser lanzado, ñoñamente emocionado y con muchas expectativas lo leí de inmediato en el metro, de vuelta a mi casa. Mi decepción fue mayúscula. Ya en Los Eternautas se publicó en su tiempo una crítica a la cual adscribo totalmente y de la cual incluso los autores entraron a explicar en parte la obra y los errores que ahí se apuntaron. A estas alturas puedo decir también caí como pajarito en el aparataje marketero de la Editorial Norma, pues parecía un libro interesante y con una premisa prometedora. Sin embargo, “1899” no es más que una suma de citas y guiños inconexos, un fanservice caza-bobos. Recuerdo perfectamente que cuando llegue a la viñeta donde se guiña a “Watchmen” solo pude pensar en lo cuma que era hacer una cita que no tenía ningún respaldo ni mayor intertextualidad que esa. El dibujo de Nelson Daniel es súper profesional pero sanitizado; no hay vértigo alguno, no hay una página de dibujo que sea memorable, que me haya hecho exclamar, y está muy por debajo del trabajo que acostumbra a hacer . Del guión de Ortega no se diga más, solo agreguemos que los glosarios y notas explicativas son sobre abundantes y creo que debieran ser parte del relato de la obra más que anexos pues las obras deben poder ser leídas en si mismas.

Prometieron una secuela, por favor, si alguna vez sale, leámosla al primer día y seamos despiadados con ella, de ser necesario, para que una obra así no tenga una segunda edición como sí la tuvo “1899”. Este tipo de decepciones no se las doy a nadie.

BASTA DE PRÓLOGOS

¿Es necesario que cada obra publicada tenga un prólogo? De manera transversal y sistemática las obras publicadas por editoriales suelen tener un prólogo laudatorio que nos contextualiza la historieta en cuestión, el trabajo del autor y la importancia que tiene en el medio. En general, me parece que siempre es mucho ruido y pocas nueces, además de no ser más que una forma de generar relaciones a futuro con otros autores (prólogos van y prólogos vienen). Creo que no es demasiado repetirlo: las obras deben poder sostenerse a si mismas, no es necesario que nos las introduzcan. Ahora bien, no quiero decir que las obras no debiesen ser prologadas, para una re-edición de una obra no contemporánea un prologo es relevante, como también para una antología, por mencionar un par de ejemplos, lo que digo es que se instaura como una práctica generalizada que no se sopesa en lo más minimo. Menos es más.

Recuerdo una polémica literaria reciente en la cual se le achacaba a Raúl Zurita escribir prólogos demasiado excesivos. Zurita respondió que tal vez era cierto, que tal vez no todas las obras eran tan buenas pero que muchas veces los autores necesitan palabras de aliento y que de cualquier modo lo importante es que jamás habló mal de de una obra que le pareciera buena, fuera de quien fuera. Pfff, flaco favor prologuista. Sigo creyendo que menos es más. No más prólogos, por favor.

PREMIOS FIC

Es mejor tener premios que no tenerlos, aunque los premios en realidad nos signifiquen nada. La iniciativa de los premios FIC Santiago es una iniciativa privada y los premios que otorgan son más bien simbólicos pues no tienen un correlato pecuniario. Sin embargo, han adquirido una cierta relevancia a nivel de medios. Ya para la última versión pude leer en El Mostrador “Los Años de Allende arrasó en los Premios FIC Santiago”. Y fíjense que arrasar es un verbo bastante fuerte.

Sin perjuicio de sus deficiencias, creo que la iniciativa de FIC Santiago es valorable pues tiende a paliar una laguna insolente para nuestro medio. Ahora bien, creo que es tiempo de que los organizadores reformulen los premios pues el sistema en sí ha caído en omisiones imperdonables siendo la más evidente la ausencia siquiera de nominación de “Las Sinaventuras de Jaime Pardo” de Vicente Plaza.

Puedo asegurar que si los organizadores de FIC hicieran una consulta a los creadores locales podría llegarse a un sistema de valoración más realista y representativo que no dependa mayoritariamente en la cantidad de likes que tienen los autores en su fanpage. Hay gente en nuestro medio calificada como para hacer de jurado tanto en selección como en votación, pero los roles deben ser delimitados y asumidos con honor: los conflictos de interés también afectan a nuestro campo específico y es inevitable. En este mismo sentido, más allá de los méritos y el innegable entusiasmo y relevancia que tiene Carlos Reyes en nuestro medio local y, en particular, su trabajo como guionista en “Los Años de Allende”, todo ello queda en entredicho cuando lo que sobresale finalmente son comentarios de pasillos por aparecer animando los premios y, a su vez, recibiendo los premios; o sea, la organización debe tener cuidado con los roles que asigna pues se producen equívocos que son evitables.

Por último, creo que a estas alturas las editoriales que se han beneficiado del premio en los últimos años debieran apoyar a FIC Santiago y hacer un fondo común para mejorar los premios más allá del simbólico galvano. Una microeditorial pequeña dedicada a hacer fanzines como Mapachestudios ya ha dado una beca para autores del medio (y van por la segunda). Entonces es lógico pensar que editoriales más grandes sean capaces de meterse la mano al bolsillo en el mismo sentido para apoyar la iniciativa de FIC Santiago.

Como una disgresión final, quisiera apuntar que el circuito de creadores es pequeño y que en cuanto tal todos nos conocemos. No es necesario que todos seamos amigos, no por compartir una pasión necesariamente debemos compartir nuestras cervezas (aunque no estaría nada de mal). Mas sí creo que debemos tener una visión más amplía que el de nuestros propios caudillos, estar en constante actualización de lo que está pasando en el circuito y saber valorar los buenos trabajos que se están dando en el medio,

sobre todo en todos aquellos que sin mayores aspavientos están subiendo los niveles de lo que puede ser la tecnología del libro y el arte secuencial. Nico Pérez de Arce es un capo y nadie lo menciona; Toto Duarte tiene un trabajo sensible y exquisito y es apenas conocida, el trabajo de Leo Ríos y Christiano pasa desapercibido a pesar del tiempo que llevan en el medio (y a pesar de que a este último le roban dibujos los diarios) y Jorge “Pato” Toro debiera ser premiado en una plaza pública por su incansable trabajo de investigación, como también por su trabajo como tallerista y promotor de la lectura historietística.

La competencia nos arruina cuando optamos por sobresalir silenciando lo que debe ser valorado; de qué vale ganar por walkover (wokover), pregunto honestamente. El mercado simbólico se beneficia con la heterogeneidad y, de cualquier modo, los lectores que han de ser conquistados no son el público lector de historietas, el cual ya está asegurado, si no más bien ha de ensancharse el espectro hacia los que ya leen novela, ensayo y poesía, por ejemplo; ellos son los que presentan un nuevo desafío para nuestro medio y nuestros talentos.

Quito – Mayo de 2016

Written by vichoplaza

mayo 20, 2016 at 9:00 pm

Ver a Jorge Pato Toro, hombre de sangre

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Les invito acá a ver los videos de buen humor e interés que está subiendo Pato Toro, en este link, y a partir de él, donde le hace una encantadora entrevista a Gabriel Garvo, de quien he hablado antes, y de quien siempre necesitaría decir más.

también muy recomendada su entrevista a Sebastián González.

Así pe, sin alfombras rojas, porque no las tengo. Las ceremonias del ego son otra cosa, que a mí no me compete. Simplemente un reconocimiento necesario que tiene que darse, que muchos sentimos. Un hombre de humor envidiable, a pesar que roban con descaro sus ideas, y encima las roban mal. Otros tratan de hacer los duelos de dibujantes y los animan lastimosamente, al lado del original, Pato Toro, un hombre de sangre. ¿Por qué no pueden hacerlo bien los imitadores? La respuesta es simple, la respuesta es porque en el mate no les arde la llama. La llama que arde en Jorge Pato Toro.

 

LOS DUELOS DE DIBUJANTES, APORTE DE CHRISTIANO

Bueno, corría el año 96 y en un encuentro de cómic, en la Facultad de química y farmacia, vi por primera vez EL DUELO DE DIBUJANTES, el artífice de esto fue Jorge Pato Toro junto a Kobal, que no paraban de hacerse caricaturas cada vez más grotescas… Jorge Pato siguió haciéndolo, acuñó una actividad, era el referee, el animador, la gente se divertía y se divierte aún… Ahora varios se arrogan que se les ocurrió a ellos, hasta en eventos internacionales. Se hace y claro no hay cita posible para el incansable mr. Toro, tiene razón Vicente Plaza en este texto, imitadores pueden haber muchos pero la gran matriz underground es una sola, ¡aguante, Pato toro, hombreeee!

En facebook. Christian O Gutz

Written by vichoplaza

mayo 20, 2016 at 6:19 am

Historietas: el estado de las cosas en Chile

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Por Nicolás Pérez de Arce
NicoPerez1.

En los últimos 10 años se ha visto un auge en la publicación de libros de cómics en Chile. Lo que antes eran revistas y libros­álbum, hoy en día son novelas gráficas, ediciones cuidadas con más páginas y variedad en sus formatos. Esto acompaña la idea de que se están editando cómics serios, con temáticas cercanas a la realidad o mayor profundidad en sus reflexiones. Frente a la imposibilidad de los historietistas de ser considerados como grandes artistas por las instituciones del arte como parecía ser en los 80’s, el reconocimiento ha llegado finalmente de la mano del ambiente literario. La novela gráfica es el último de varios intentos hechos por el cómic para saltar el muro que lo deja fuera del arte con mayúsculas.

En kioscos el formato revista ya no existe, al menos en chile, con una distribución prácticamente inexistente (en Argentina se pueden encontrar sin problemas ediciones baratas de libros de Mafalda, Fontanarosa o El Eternauta). Un país donde se lee muy poco (alto impuesto al libro se ha dicho bastante) y donde las editoriales chilenas pagan el mínimo legal a los autores por su trabajo, un 10% por derechos de venta, que muchas veces el único pago que reciben. Es bien sabido que nadie vive de hacer cómics y que las platas están en la publicidad, diseño gráfico, docencia, o sea hay que hacer otra cosa para poder hacer finalmente cómics, disciplina que toma bastante tiempo. Los fondos públicos están cada vez más enfocados en fortalecer las llamadas industrias culturales potenciando así a las editoriales pero dejando de lado al autor a pie pelado.

el huevo Nico Perez2.

La discusión que me ha tocado ver en medios de comunicación y sitios especializados tiene que ver mas que nada con implementar el medio y la producción local, en la profesionalización. Gabriel Rodríguez o Javier Osorio son los paradigmas de este sistema, los ejemplos a seguir. Pero muy rara vez he visto que se hable de la calidad de los trabajos mismos, que se hable en términos de arte y cultura como crítica a los trabajos. Se dicen tonterías como que el latón estaba super bien logrado en historia de un oso, como si ese fuera su valor. En general se da por sentado que todo es genial e innovador, que está todo pasando, pero existe la percepción (no solamente mía, sino que es la de varios colegas) de que se publica harto material liviano, con poco relato, poco crítico, algo bobalicón, tieso y con poco desarrollo de contenidos.

En un país donde se percibe el arte y el consumo de cultura en general como bienes exclusivos de los sectores acomodados, cabe preguntarse que tan popular realmente es el boom del cómic. La señora de la vega probablemente no tiene idea de quien el Alberto Montt, Malaimagen ni Sol Díaz, pero recuerda todavía al Condorito, signo de una época donde si podía manifestarse un personaje realmente popular. Sin embargo, los mismos autores se repiten una y otra vez, como si fuera lo único que vale la pena destacar en las pretensiones de construcción de industria.

Esto por supuesto no es problema del cómic particularmente, es un problema cultural general. Es lo mismo que pasa con la música chilena en las radios (la ley del 20%). Son siempre los mismos nombres; Gepe, Javiera Mena, Francisca Valenzuela, Alex Andwanter, Pedro Piedra, Fernando Milagros, Ases falsos, y el resto son excepciones. Y que pasa con los Vázquez o el rapero Portavoz? Por poner un par de ejemplos supuestamente populares. Hay un Alberto Curapel totalmente ignorado.

O lo que pasa con el llamado nuevo cine chileno. Nos enteramos en los medios hasta del desayuno que le gusta tomar a Nicolás López, Pablo Larraín, Matías Bize o Andrés Wood, pero son prácticamente ignorados Cristián Sánchez (Los deseos concebidos, cautiverio feliz, el zapato chino)o José Luis Sepúlveda (El pejesapo, mano armada), dos autores fundamentales en la construcción de identidad en el cine. (Raúl Ruiz).

Algo similar pasa en este sentido con el libro “Las sinaventuras de Jaime Pardo” de Vicho Plaza. Varios autores entre los que me incluyo lo han señalado como probablemente el cómic más importante de los últimos 10 años, por ser un retrato emocional del chile de los 60 y 70’s, y por la densidad de su relato, que va desde la crisis de la educación, pasando por la pobreza y el crimen, la lucha por la supervivencia, hasta la conformación de industria y la dictadura. Hay algo muy real y contingente ahí que retrata una pesadumbre nacional con precisión. Sin embargo el libro no existe, no se ha dicho casi nada sobre él, pasa totalmente desapercibido.

NicoPerezHEREDIA-300x436Entonces uno se pregunta para qué tanto bombo y platillo sobre el cómic chileno si una novela gráfica Chilena verdaderamente notable no aparece.

Por mucho que se intente implementar la industria del cómic, ES LA PROPIA EXPRESIÓN DE LA GENTE LA QUE DEBE SALIR A LA LUZ EN SUS PROPIOS TÉRMINOS. Y esto no ha entrado realmente en la discusión.

Texto presentado en Monologías, primera sesión, 2 de mayo 2016. Organizado por Felipe Muhr en Casa Plop, Santiago

Written by vichoplaza

mayo 4, 2016 at 5:51 am

PRÓLOGO PARA ANOTACIÓN NEGATIVA

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Por NICOLÁS PÉREZ DE ARCE

 

Imágenes desde sus páginas en tumblr.com y facebook

Imágenes desde sus páginas en tumblr.com y facebook

¿Cuál es la relevancia de Anotación Negativa? ¿Por que vale la pena leerlo? Alguien podría argumentar que este cómic es medio degenerado, obsceno, que podría deformar la mente de los jóvenes y que no ayuda a construir modelos ejemplificadores. Y tendría razón. El propio autor reconoce que tiene una mirada nefasta a la realidad chilena, con personajes incorrectos en un mundo provinciano y decadente.

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La razón es sencilla. Hay una mirada del mundo, personal y contingente, a partir de la vida de estudiantes en un liceo de Punta Arenas. Eso nomás. Vamos viendo: ¿dónde más se puede encontrar algo así? Ni en la tele ni en los diarios, ni siquiera en el cine. La gracia del cómic, y tal vez esto lo comparte sólo la literatura, es la cercanía que tiene el autor con sus lectores, que está mediada sólo por la distribución del trabajo. Yo nunca podría haber imaginado que llegaría a ser testigo de una saga de ¡80! números, ambientada en un liceo de Punta Arenas, políticamente incorrecta, con personajes profundamente irresponsables, humor desquiciado e invitados famosos. Siempre he preferido el cómic de autor (dibujado y escrito por) porque creo que tiene mas carácter. Y es que aquí no hay filtros, no hay comités editoriales, grupos de guionistas ni estudios de mercado que adapten la obra a los gustos populares. Y sin embargo es algo que nace del gusto popular, las series de animación ácidas norteamericanas seguramente, que a su vez son hijas del underground del cómic de los 70’s, el cómix con x.

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Hay algo ahí entre toda esa broma absurda, algo que es como asomarse a una ventana. Para un santiaguino como yo es una entrada directa al mundo magallánico “real”, a una de sus realidades al menos. No es la postal de la cueva del milodón o del indio al que hay que besarle el pie, por ejemplo. La televisión no te va a mostrar la realidad adolecente de un grupo de liceanos de región tal como se muestra aquí. Es como diría Jorge Pato Toro: “estos contenidos no los encontrarás en otros lados.” Se intuye por entre las páginas, por entre las viñetas, algo biográfico, algo vivido. Eduardo habla desde su experiencia, bromea con el recuerdo, con los lugares, la gente y sus pequeñas ideas. En 10 o 20 años mas el mundo que retrata Eduardo ya no va a existir, entonces hay también un registro del aquí y ahora, un “documentalismo fantástico” de la realidad.

La gracia del artista es que se salta todas las convenciones, todas las resistencias, para seguir la intuición y hacer lo que realmente se quiere hacer. Eduardo hace cómics de autor, localista, como el cómic independiente que se edita en Estados Unidos o Europa, como si realmente fuéramos un país desarrollado y hubiera espacio para este tipo de lujos expresivos. Pero lo hace aquí y ahora. En un Chile que probablemente no va a saber muy bien qué hacer con esto, porque está pensando en construir cultura con mayúscula, e ignora en el proceso todas las bellas minúsculas que se arremolinan a su alrededor.
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Written by vichoplaza

febrero 11, 2016 at 7:03 pm

ES MUY IDÓNEO PARA TODO ESTO

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Portada

INTRO DE ANOCHE DE JORGE QUIEN (Chancacazo publicaciones, Santiago de chile, 2014).

Jorge me enseñó hace un tiempo algunas de estas tiras en las que se había puesto a contar sus sueños. Sentí que él había capturado, por decirlo así, un territorio narrativo.

Me pareció que su dibujo nocturno, sus fondos siderales y los espacios negros le venían de perillas al tema, y que la elegancia y el silencio suave de las atmósferas lo expresaban bien a él como historietista y como soñante. Entre las que ví (esa vez) estaba el sueño de la guerra con las balas lentas, que me relampagueó con la idea de que los sueños pueden contener todos los géneros y temas, sin perder su estilo narrativo y su lógica propia e incógnita.

las balas lentas

las balas lentas

Yo creo que fue por eso que me pareció que en Anoche Soñé probablemente había algo nuevo, no en el tema, desde luego, porque hay muchos historietistas que han relatados sueños de sus personajes, sino en la referencia a sueños reales, autobiográficos, y sobre todo en la manera de recordar y reproducir la particular manera narrativa que ellos tienen, que es fácil de reconocer pero bien difícil de representar, aunque Jorge nos hace sentir el aire grato de la facilidad.

Lo más frecuente que encontramos en otras historietas, o en el cine, son en realidad imitaciones de la forma onírica, o expresión de deseos, que es otra acepción corriente de la palabra sueño. Leí no recuerdo dónde que Bergman en la primera escena de  Fresas salvajes narró un sueño de una manera genuinamente onírica, y probablemente sea cierto, por su manera irruptiva y su rara forma narrativa hecha de imágenes y de montaje, y porque además no pretende descifrarlo o interpretarlo después.

Tampoco Quien está interesado en hacer interpretaciones, decir qué significa tal o cual cosa, y ese detalle es importante. Solamente en uno, donde maneja un auto, el significado le resulta obvio al contárselo a Marcela, su copilota, y es también el único donde aparece un cuadro de vida diurna, al momento de despertar.

la copiloto

la copiloto

Lo inédito, raro y brillante de estas tiras es que se nos presentan así de repente tal como lo hacen los sueños, es decir como algo no visto, historias y temas con aire desconocido y llenas de un sentido incógnito. Traen de nuevo el sentido de lo incógnito, que los métodos interpretativos psicoanalíticas o esotéricos le han quitado a los sueños.

Un intento brillante de interpretar un sueño con claves psicoanalíticas, hay que reconocerlo, lo hizo Art Spiegelman en Breakdowns, valiéndose de su talento. En una o dos viñetas describe primero la escena que soñó, que más que algo que ocurre es una imagen congelada, la cual se ocupa luego en desmenuzar detalladamente parte por parte, para llegar al “mensaje” o significado, y lo hace con un poder de convicción notable para quien alguna vez fue lector de Freud, de Jung o de Lacan. Es decir, Spiegelman escogió un sueño real suyo, con una carga densa de implicaciones históricas, raciales, sexuales, que se prestan muy bien al psicoanálisis. Pero allí –diría yo– la imagen y sus elementos se trasforman por consecuencia inevitable en signos más o menos endurecidos, o sea en códigos descifrados desde una teoría interpretadora, que son desde luego interesantes, pero que me atrevería a decir se suman más a la misma literatura de interpretación psicoanalítica que al arte narrativo y al lenguaje historietístico, ya que no hay un relato donde la imagen presente su potencialidad significativa, sino el análisis de figuras quietas y fijas a través de viñetas de cómic.

pesadilla asesina

pesadilla asesina

En cambio, los sueños que escoge Quien son esencialmente narrativos, la mayoría tranquilos, aunque también hay pesadillescos y angustiosos, como ése donde mata a toda su familia. Son sueños como los nuestros, es decir situaciones a veces más o a veces menos extrañas, que se presentan de golpe, sin desarrollo ni explicación previa; esas situaciones pueden terminar suavemente, con guiños contemplativos, inquietantes, aterrorizadores o humorísticos; o pueden cambiar bruscamente de tema y de imagen, trasladarse a otro lugar, con extrañas continuidades y extrañas relaciones internas, quiebres que nos mueven el suelo, o que en ocasiones experimentamos plenos de sentido.

los matones

los matones

Por ejemplo, el sueño con los matones en un baño de hospital, que lo asedian con frases burlonas: “¿dónde están los cuerpos?, cómo te va con las mujeres?” “No sé, más o menos, qué sé yo”, responde él. La escena es un microrrelato muy claro en su continuidad y en sus implicaciones significativas, pero que cambia súbitamente a un pasillo donde “me cruzo con una silla de ruedas”; este cuadro es como una conclusión cifrada de la escena anterior, conclusión hecha de imagen: la cruz hospitalaria, un cuadro o quizá una ventana rota, la silla de ruedas y el protagonista saliendo cabizbajo. Jorge no quiere explicar significados, sino capturar el ritmo y la atmósfera en donde la escena, los diálogos y la imagen final nos envían el “mensaje” respecto a nuestra vida habitual o respecto a nuestra vida cósmica, pero cuyo significado verdadero y exacto no podemos pretender que vamos a dilucidar.

Probablemente el sentido más genuino de los sueños lo hallemos en estos tiempos en su extraordinaria e inagotable capacidad inventiva, y en su libertad de compromisos con el público. También en su genialidad narrativa, que se pasea (como se dice) por los géneros y por todas las vicisitudes reales e imaginarias de los soñantes, con un mismo estilo que nunca pierde sus características y su vida.

En esta línea trabaja Jorge Quien, y nos demuestra por qué puede ser tanto o más interesante el relato por sí mismo, sin análisis. Se trata de una indagación de la forma narrativa y de la atmósfera visual y emotiva de sus sueños. Ese trabajo, lejos de ser un mero ejercicio formal, es un lugar de autoconocimiento. De paso, nos dice también que el lenguaje de las historietas es muy idóneo para todo esto.

[Editado mínimamente] Jorge Quien está publicando nuevas tiras de Anoche en: http://www.revistaintemperie.cl/anoche-por-jorge-quien/

Written by vichoplaza

diciembre 4, 2015 at 3:15 am

DIBUJOS QUE HABLAN octubre 2015

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HISTORIETÓLOGOS, ILUSTRALÓLOGAS, TODOS y TODAS INVITADOS el jueves 22 de octubre de 2015 a DIBUJOS QUE HABLAN, Encuentro de crítica y reflexión sobre las narrativas dibujadas, centrada en esta versión en el período 1960-1979. Acá el programa y las indicaciones de cómo llegar al edificio Vime, de la Universidad de Santiago.

Programa Dibujos que Hablan 2015

Programa Dibujos que Hablan 2015

Corresponde a la Covocatoria que comenzó a circular en mayo de 2015. Aunque estaba abierto a todas las formas de las narrativas dibujadas, las ponencias se concentraron en las historietas y la caricatura.

Convocatoria, mayo 2015

Convocatoria, mayo 2015

Written by vichoplaza

septiembre 30, 2015 at 7:40 pm

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